Quadro vintage de Gustave Camus representando uma mulher e uma criança, 1943

Óleo sobre tela requintado do pintor belga Gustave Camus, assinado e datado no canto inferior direito. A obra introduz-nos como espectadores num ambiente privado e íntimo, num momento amoroso de aprendizagem. No início do século XIX, surgiu um novo termo na pintura que respondia a um tema que tratava da vida quotidiana, familiar e doméstica: a intimidade. Embora o conceito só tenha surgido nesta altura, o tema já era discutido na História da Arte há muito tempo. Já no Renascimento havia muitas mulheres retratadas em cenas de interiores; ainda antes, a imagem religiosa da Anunciação tinha retratado a Virgem Maria na solidão do seu lar. Mas foi só no século XVII, na Holanda, que este género se estabeleceu definitivamente, tendo Johannes Vermeer como o seu maior expoente. A partir de então, conheceu um grande desenvolvimento. Em França, os retratos de figuras femininas em quartos privados tornaram-se populares no século XVIII e, ao longo dos séculos seguintes, as pinturas de cenas domésticas. A pintura íntima sempre demonstrou uma clara predileção pelo universo feminino, pela representação da mulher nos momentos quotidianos e íntimos e na vida familiar, como a "tenra infância". O objetivo da intimidade é precisamente proporcionar uma certa transcendência a um momento quotidiano da vida das personagens, neste caso a mulher e o seu filho. Estas duas figuras são suficientes para preencher toda a cena, embora não haja praticamente nenhuma inter-relação entre as personagens, apesar da sua relação próxima (a intimidade tende para o individualismo). Neste tipo de obras, o tempo parece passar muito lentamente, criando uma sensação de quietude e um silêncio que tudo invade. A mãe parece absorta, numa atitude introspectiva, fechada nos seus próprios pensamentos, com o olhar baixo e o rosto calmo, enquanto a pequena está imersa na história que segura com a ajuda da mãe. Quanto à técnica, é demonstrada a faceta expressionista do autor, que viveu o surgimento do movimento. Utiliza cores fortes e expressivas, saturadas e escuras, com uma pincelada rápida e material de traços exagerados e muito marcados. As manchas de cor fundem-se na própria tela, ganhando forma e coerência quando vistas à distância. Destaca também o estudo da luz, pois, embora a fonte de luz não esteja representada, banha a cena a partir da direita, o que faz com que a metade esquerda do rosto fique sombreada. A originalidade do quadro é que é o próprio espetador que deve terminar de dar o sentido último à obra, de acordo com a sua própria subjetividade. Conserva a moldura original, caraterística da época, feita de madeira ricamente entalhada e com pormenores complicados, como o trabalho a céu aberto disposto simetricamente nos cantos. Sobre o autor Gustave Camus, nascido a 4 de abril de 1914 em Châtelet e falecido a 9 de junho de 1984 em Mons, foi um pintor expressionista belga. Aos 14 anos tornou-se aprendiz de pintor de casas, mas deixou esta atividade assim que a sua arte lhe permitiu viver, em 1939. Frequentou as aulas de desenho do escultor Eugène Paulus na Escola Industrial de Charleroi (1930-1934) e de van Leon Van den Houten na Universidade do Trabalho (1932-1937). Fundou com Georges Wasterlain o grupo Arte Viva no País de Charleroi (1933). Depois da guerra, a crítica afirma o seu talento e torna-se professor de pintura e desenho na Academia de Belas Artes de Mons (1951-1976), da qual se torna diretor. Está ligado ao Impressionismo, embora a sua obra esteja normalmente mais próxima do Fauvismo. Nos anos 40, fez uma viagem à Bretanha, que teve um impacto profundo na sua obra, marcando o início da sua "segunda fase". Dimensões: 125 x 106 x 7 cm. / 98 x 78 cm. Referência : 305604